Wer Romina Abates Ausstellung am Ende ihres Stipendiums in Willingshausen sehen will, muss ein Hindernis überwinden – wie es die Künstlerin im Laufe ihres dreimonatigen Aufenthaltes in der Schwalm so manches Mal getan hat. Dann findet er sich in einer Art Labor wieder, einem Ensemble künstlerischer Versuchsanordnungen, einem Raum, der wie die Momentaufnahme eines Wahrnehmungs- und Denkprozesses ist. Wo hier Anfang und Ende sind, ist zunächst nicht auszumachen. „Das Meer hat viele Ufer“.



Romina Abate hat alle Hindernisse genommen, sich umgesehen und die Gegenstände ihrer neuen Umgebung zum Ausgangspunkt künstlerischer Prozesse, zum Motiv und Thema ihrer Arbeit gemacht. Das begann in den Regalen ihres Domizils, dem „Hirtenhäuschen“, wo sie in den Büchern aus dem Nachlass der Tochter des Willingshäuser Malers Wilhelm Thielmann das Foto einer Birken-Allee fand. Im Atelier waren es die Staffeleien der Hobbymaler/innen, die sie provozierten. Diese beiden Fundstücke in Beziehung zu setzen und zu beobachten, wie dabei Bildsprache und Bild, Sinn und Bedeutung entstehen, war ihre erste in Willingshausen entstandene künstlerische Arbeit – und kann durchaus exemplarisch genommen werden für ihre künstlerische Methode.&nbsp;



Romina Abate aber ist jeder Zustand ihres Arbeitens ein „Werk“. Ein wichtiger Teil ihrer Zeichnungen sind deshalb Entwürfe von möglichen Anordnungen ihrer Versatzstücke zu Installationen. Diese sind dann selbst endgültig entschiedene und zugleich „nur“ mögliche Anordnungen. Meist greift sie dabei zur Foto- und Videokamera, um zu untersuchen, wie es zu einer ästhetischen, d.h. formalen wie inhaltlichen Schlüssigkeit kommt. Diese Bilder macht sie selbst wieder zu einem Teil Ihres Werkes. Auf diese Weise nimmt sie verschiedene Betrachter-Perspektiven vorweg und baut sie in ihre Fragestellung und Argumentation ein.&nbsp;



„Was ist das was ich sehe? Wie verändern sich Dinge und Bedeutungen, wenn sie in Beziehung treten, arrangiert, montiert werden? Welche Argumentationsweisen nutze ich dabei?“ fragt sie sich und versteht das auch als erkenntnistheoretische und philosophische Fragestellung. „Ich betreibe begriffliche Untersuchungen, immer daran interessiert, Bilder, Zeichen zu erfinden und Begriffe zu weiten und zu hinterfragen, zu zitieren, zu kommentieren und Beziehungen herzustellen“.&nbsp;



So verdeckt z.B. eine farbige Fläche, die von einem langen Stab gehalten wird, ihren Kopf. Den ersetzt sie durch eine einfache Form, die plötzlich zu einem Pferdekopf wird. Sie zieht die Knie an, stampft mit den Füßen auf und ist selbst ein Pferd. Sofort werden die beiden Tisch-Böcke hinter ihr zu Hindernissen für einen Springreiter und die Bücher auf der Platte ebenfalls – oder zu einem Streitwagen über das, was in den Büchern zu sehen und zu lesen ist.



Für Romina Abate also steht alles auf dem Spiel: Form, Inhalt, Bedeutung, Wert, Konvention und Irritation. Die Gleichzeitigkeit von Möglichem und Unmöglichem ist die künstlerische Freiheit, die sie sich nimmt.&nbsp;



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Romina Abate <a href="http://www.romina-abate.de" data-type="URL" data-id="http://www.romina-abate.de">www.romina-abate.de</a>

Was fühlen Steine? Was denken sie? Haben sie eine Erinnerung oder zieht die Welt einfach unbemerkt an ihnen vorbei? Diesen Fragen geht Evelyn Roh mit ihrer Ausstellung „Sentiment of Sediments“ auf den Grund. Denn das Thema, mit dem sie für ihr dreimonatiges Stipendium nach Willingshausen kam, waren von Anfang an die Wippersteine bei Merzhausen und ihre sagenumwobene Geschichte.



Geschichten zu diesen Steinen hört man viele. Blut soll an ihnen gefunden worden sein, das darauf hindeutet, dass auf ihnen einst Opferungen durchgeführt wurden. Auch sollen sich hier Hexen getroffen haben. Lange waren die Steine deshalb ein Ort, vor dem man sich fernhielt. So kam es dann auch, dass sie wiederum als Versammlungsort genutzt wurden von jenen, die sich nicht so einfach in der Geselligkeit einer Bierstube treffen konnten.



Evelyn Rohs Ansatz war es sich mit der Geschichte der Wippersteine auseinanderzusetzen und zum weiteren Spekulieren einzuladen. Und so erzählt sie die Geschichte eines jungen Steins, der sich einst von seiner Familie, der Gesteinsformation der Wippersteine, losgesagt hatte und sich aufmachte sein eigenes Leben zu leben. Ihre Videoarbeit zeigt den Moment der Rückkehr zur Familie, die sich über all die Jahre nicht vom Fleck bewegt hat. Der gedeckte Tisch lädt den lang vermissten Rückkehrer zum Austausch ein über das, was in der gegenseitigen Abwesenheit passiert sein mag. Der Tisch und auch die Teller sind aus Papier. Dem Kinderspiel „Schere, Stein, Papier“ entsprechend ist Papier das absolute Gegenteil von Stein. Papier wickelt Stein ein und Papier gewinnt. Evelyn Roh entschied sich dafür den eingedeckten Tisch mit Papier zu umhüllen, um der Lebendigkeit, die die Steine umgibt, Ausdruck zu verleihen. Die papiernen Teller wehen im Wind und machen ihn dadurch sichtbar.



Neben den Gefühlen, die Steine haben, lässt der Titel „Sentiment of Sediments“ auch an die Gesteinsschichten denken, aus denen sie selbst bestehen. Sie speichern Schicht für Schicht die materiellen Informationen ihrer Umwelt, die sich über Jahrmillionen ablagern. Diese Idee der Sedimentierung holt Evelyn Roh in den Ausstellungsraum. Für ihre Installation legt sie Zeichnungen in Dachrinnen und erinnert so an die Dinge, die sich dort normalerweise ablagern und hier nur für kurze Zeit, bis die Verstopfung zur Reinigung zwingt, eine ephemere Geschichte der alltäglichen Sedimentierung erzählen.



Evelyn Roh (*1998) ist in München geboren und wird in diesem Jahr ihr Studium an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach abschließen. In ihrer künstlerischen Praxis schafft sie Installationen aus Video und Sound zusammen mit Skulpturen und Zeichnungen. Die Kombination dieser unterschiedlichen Medien und die Möglichkeit sie zusammenwirken zu lassen ist dabei für sie von besonderer Wichtigkeit.

Eröffnung 
Samstag 11. Mai 2024 um 16 Uhr

Sentiment of Sediments

Arhun Aksakal kam wegen der Landschaftsmalereien nach Willingshausen. Silhouetten sanfter Hügel, Himmel, die durch Wolkenformationen gezeichnet –&nbsp;Landschaften, die durch Felder und Wiesen, Wälder, Wege und Flüsse strukturiert sind. Mit Heuschobern und Hochsitzen als Landmarken, die romantische Vorstellungen von Jagd und die Ernte ins Bild holen. Sie entstanden auch zu Zeiten in denen der Krieg die Landschaft traumatisierte und einen anderen Blick auf sie prägte. Als Grenzen bestimmten wo der eigene Bewegungsradius anfing und wo er endete. Als die Stellung des Feindes das eigene Land in sichere – und Gefahrenzonen teilte und sanfte Hügel Deckung versprachen, wenn man sich dahinter flach auf den Boden legte.



Im Zentrum von Arhun Aksakals Ausstellung steht in der Kunsthalle Willingshausen das Bild „U-Boot Krieg/Der totale Krieg/Verlorene Erde“ von Franz Radziwill das zwischen 1939 und 1960 entstand. Die Infrarot Reflektografie Aufnahme des Doerner Instituts in München macht die tieferliegenden Schichten des Gemäldes und somit die unterschiedlichen Phasen der Entstehung sichtbar. Einer Landschaft mit tobender See wurden ein U-Boot, ein Kampfflugzeug und später eine Engelsgestalt hinzugefügt. Die Wandlung des Bildes gibt nicht nur Aufschluss über die Entstehungsgeschichte, sondern erlaubt auch einen mehrdimensionalen Blick, auf die Veränderung des mentalen Zustands eines Malers, der selbst beide Weltkriege durchlebt hat.&nbsp;



Arhun Aksakals künstlerische Arbeit ist in Willingshausen noch an zwei weiteren Orten zu sehen. Die verchromten Silageballen in der ehemaligen Schlachterei gegenüber der Kunsthalle können als zeitgenössische Reminiszenz an die Heuschober gelesen werden, die ein häufiges Sujet historischer Landschaftsmalereien sind. Die Verchromung lässt ihre Umgebung in sie einspiegeln und macht so nicht nur sie unsichtbar, sondern auch jene, die dahinter Schutz suchen. Im Garten des Barons von Schwertzell zu Willingshausen steht ein Hochsitz, dessen Holz angeflämmt wurde wie die Balken der Fachwerkhäuser, die das Bild der Region prägen. Die vermeintliche Zerstörung lässt das Holz stark und widerstandsfähig werden.&nbsp;



Arhun Aksakal nutzt diese Arbeiten um über die Wandlung der Ansichten von Friedens- zu Kriegslandschaften, den Blick auf die Menschen zu richten. Junge Menschen, die nicht nur damals in Deutschland, sondern auch heute in der Ukraine und im Gaza Streifen zu Akteuren eines Kriegs und damit zu Tätern werden. Der Ausstellungstitel „All guts no glory“ lässt sich wortwörtlich mit „Nur Eingeweide keine Ehre“ übersetzen. Er lässt die Opfer der jungen Soldaten bildlich erscheinen, die bereit sind für ihr Land ihr Leben zu lassen. Doch die „guts“ stehen im englischen eigentlich für den Mut, mit dem man sie einsetzt. Was bleibt wenn der Krieg vorübergezogen ist offenbart sich nicht nur beim Zählen der Opfer, die ihren Körper für „höhere“ Ziele hergaben. Denn was geschieht mit jenen, die bereit sind ihre Leben für die Ehre zu geben und am Ende mit dem Leben aber ohne die Ehre davonkommen? Die den Krieg und ihren Beitrag dazu in den Frieden tragen, in ein Schweigen und Vergessen, von dem man hofft, dass es das Gras über die Sache wachsen lässt. Krieg traumatisiert Menschen und Landschaften und lässt sie auch im Frieden nicht los.&nbsp;



Arhun Aksakal hat diesen Sommer nach Stationen in Kassel, Kurdistan und Venedig, sein Studium an der Städelschule in Frankfurt am Main abgeschlossen. In seiner Arbeit inszeniert er Materialien, die als stumme Zeugen von Umbrüchen und Umständen fungieren, um daran politische und geologische Besonderheiten sichtbar zu machen.



Für den Besuch Außenstandorte der Ausstellung wird um eine schriftliche Anmeldung in der Kunsthalle Willingshausen gebeten. 



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In the exhibition „ALL GUTS NO GLORY“our fellow Arhun Aksakal is&nbsp;&nbsp;showcasing new works at three locations in Willingshausen, exploring the altered perspectives on landscapes during times of war and the mental state of those involved.&nbsp;



Arhun Aksakal was drawn to Willingshausen by the landscape paintings of the artist colony. His motifs include the silhouettes of gentle hills, skies painted by cloud formations, and landscapes structured by fields, meadows, forests, paths, and rivers. The imagery incorporates landmarks such as haystacks and high seats, evoking romantic notions of hunting and harvest. These paintings originated during times when war traumatized the landscape, shaping a different perception. Borders delineated one‘s range of movement, and the enemy’s position divided one‘s land into safe and perilous zones, with gentle hills offering cover when lying flat on the ground.&nbsp;



At the center of Arhun Aksakals presentation in the Kunsthalle Willingshausen is the painting „U- Boot Krieg/Der totale Krieg/Verlorene Erde“ by Franz Radziwill, created between 1939 and 1960. The infrared reflectography and X-ray imaging of the Doerner Institute in Munich reveals the underlying layers of the painting, exposing different phases of its creation. A landscape with a raging sea had a submarine, a fighter plane, and later an angelic figure added. The transformation of the painting not only sheds light on its history but also allows a multidimensional perspective on the evolution of the mental state of a painter who lived through both World Wars.&nbsp;



The chrome-plated silage bales displayed in the former slaughterhouse opposite the Kunsthalle can be interpreted as a contemporary homage to the haystacks frequently depicted in historical landscape paintings. The chrome finish reflects their surroundings, rendering not only the bales but also those seeking shelter behind them invisible.&nbsp;



In Baron von Schwertzell zu Willingshausen‘s castle garden, Aksakal presents a high seat with charred wood – reminiscent of the beams of half-timbered houses that characterize the region. The apparent destruction renders the wood robust and resistant.&nbsp;



Arhun Aksakal utilizes the exhibition to shed light on the transformation of perspectives from peaceful to wartime landscapes, directing attention to those who, then and now, became actors in war at a young age. The exhibition title, „ALL GUTS NO GLORY” literally represents the sacrifices of young soldiers willing to give their lives for their country. However, in English, „guts” also signify the courage with which they are deployed. What remains after the war has passed is revealed not just in counting the casualties who sacrificed their bodies for „higher“ goals. It delves into the fate of those willing to sacrifice their lives for honor, only to emerge from the conflict with life but without honor. They carry the war and their contribution to peace into silence and oblivion, hoping that time will let grass grow over the matter. As the works in the exhibition demonstrate, war traumatizes both people and landscapes, lingering even in times of peace.&nbsp;



This summer, Arhun Aksakal completed his studies at the Städelschule in Frankfurt am Main, following stints in Kassel, Kurdistan, and Venice. In his work, he orchestrates materials as silent witnesses of upheavals and circumstances, making political and geological peculiarities visible.

ALL GUTS NO GLORY

Mit der Ausstellung „Fantasie aus Tausend Perlen“ schließt Charlotte Rahn ihren dreimonatigen Stipendienaufenthalt in Willingshausen ab. Der Ausstellungstitel stammt aus der Werbung für Rotkäppchen Sekt. Bei „Perlen“ denkt Charlotte jedoch nicht an Schaumwein, sondern an das veraltete Bild der Damen der Schöpfung, die ohne den Ehemann an ihrer Seite nicht vollkommen wären. Zu solchen Frauen sollten einst die Märchen erziehen, die Charlotte Rahn in der Ausstellung zitiert und denen sie aus ihrer zeitgenössischen, feministischen Perspektive auf den Zahn fühlt: Aschenputtel, Rotkäppchen und Rapunzel.



Bei Aschenputtel setzen drei junge Frauen alles daran, die Gunst des hübschen, wohlhabenden Prinzen für sich zu gewinnen. Sie quälen einander, verkleiden sich und hacken sich die Füße ab. Dem feinen Herren ist dabei nicht einmal zuzutrauen, die letztendlich Auserwählte an Gesicht, Größe oder Statur wiederzuerkennen. Nein, mit einem Schuh muss er durchs Land ziehen, um dafür den passenden Fuß zu finden. Charlotte Rahns Bild einer zeitgenössischen Aschenputtel-Figur erkennt man an den Taubenfedern, den Haselnüssen und den verführerischen Füßen.



Dem naiven Rotkäppchen bläut die Mutter ein, sie solle ja auf dem (rechten) Weg bleiben. Bei Rotkäppchens Zuwiderhandlung lässt die Lektion nicht lange auf sich warten. Der Wolf horcht sie aus und lauert ihr auf. Klein Rotkäppchen wird gefressen und überlebt nur durch die Rettung des holden Jägers. Ihr widmet Charlotte die Malerei mit dem bedrohlichen Schlund und den gefährlich gefletschten Wolfszähnen.



Rapunzel scheint zunächst von starken Frauenfiguren zu zeugen. Da ist die Mutter, die ihren Mann zwingt, ihr Rapunzel zu stehlen, um ihren schwangerschaftsbedingten Heißhunger zu stillen. Da ist die Hexe, der die Rapunzeln gehören, und die für den begangenen Raub die ungeborene Tochter des diebischen Paares einfordert. Die Tochter Rapunzel, die bei der Hexe aufwächst, wird mit der Pubertät in das Gefängnis eines fensterlosen Turms gesperrt. Ihre Rettung durch den Prinzen erinnert wieder daran: Im Märchen gibt es keine Frau als glückliches, selbstständiges Wesen. Eine Frau allein ist verbittert und verhärtet oder unvollkommen, verletzlich und bedroht. Im Märchen ist sie je nach Alter das Böse in Gestalt der frustrierten, kinderlosen Hexe oder die allzeit gefährdete, naive, unfertige Frau, der der Held – der Mann – noch fehlt.



Wo sonst könnte man sich der Auseinandersetzung mit der Rolle der Frau im Märchen besser widmen als in der Schwalm. Wo Ludwig Emil Grimm, der 1824 gemeinsam mit Gerhard von Reutern die MalerInnenkolonie Willingshausen gründete, sich für das Bild des Rotkäppchens an der Schwälmer Tracht orientierte. Wo Otto Ubbelohde, ebenfalls ein frühes Mitglied der MalerInnenkolonie, mit dem Turm des Schlosses Amönau den Sitz der verdammten Rapunzel malte. Und wo jede Familie von einer starken Schwälmer Frau zu berichten weiß, die alles zusammenhielt und hält.



Die beiden Malereien Aschenputtel und Rotkäppchen nehmen die Form von gotischen Fenstern auf. Dem Märchen Rapunzel widmet Charlotte eine Malerei, die sich an der Beschaffenheit einer Tür orientiert. Diese Elemente verweisen auf das Haus als zentrales Motiv der Ausstellung, das im Mittelpunkt der Inszenierung steht. Das Blinken und Leuchten aus dem Inneren des Glashauses lässt an eine Disco denken, die einst zum Tanzen einlud und nun von einem hungrigen künstlichen Wald verschluckt wurde. Aus dem Haus heraus klingen die Formeln der Märchen wie verstörend verlockende Drohungen: „lass dein Haar herunter“, „Ruckedigu Blut ist im Schuk“ oder „die guten ins Töpfchen die schlechten ins Kröpfchen“.



In ihren Malereien, Skulpturen, der Sound- und Hausinstallation überzeichnet und überspitzt Charlotte Rahn das motivische Material, das ihr die Märchen geben. Der Wald, sein Gestrüpp und Geäst, seine Klänge und Wesen – alles wird in die Künstlichkeit von grellen Farben, die Materialität von Plastik, Kunsthaar und das Lichtspektrum von Neon LEDs getaucht. Die unheimliche Stimmung, die Charlotte Rahn so im Raum entstehen lässt, holt die Märchen in die Gegenwart und thematisiert dabei die Auswirkungen der schrillen Utopien von damals auf soziale Strukturen von heute.



Charlotte Rahn ist die 55. Stipendiatin des Stipendienprogramms der MalerInnenkolonie Willingshausen. Sie kommt aus Kriftel im Vordertaunus und lebt in Offenbach am Main. An der Hochschule für Gestaltung in Offenbach hat sie von 2011 bis 2020 visuelle Kommunikation im Fachbereich Bildende Kunst bei Prof. Gunter Reski und Prof. Juliane Rebentisch studiert. Das Stipendium Willingshausen wird unterstützt von der Sparkassen Kulturstiftung, der SV SparkassenVersicherung und der Kreissparkasse Schwalm-Eder, dem Hessischen Ministerium für Wissenschaft und Kunst, dem Landkreis Schwalm-Eder sowie die Gemeinde Willingshausen.



Text: Marina Rüdiger&nbsp;

Finissage am 28. Mai 2023, 15 Uhr 
Kunsthalle Willingshausen

Fantasie aus tausend Perlen

Situated Knowledge&nbsp;ist ein Konzept, das Wissen als&nbsp;einen abstrakten, absoluten und autonomen Wert in Frage stellt und seine Bedingtheit unterstreicht. Wissen ist in diesem Sinne nicht denkbar ohne den Ort, von dem es stammt, ohne die Geschichte, in die es sich einreiht, ohne den Körper, den es belebt – kurz, ohne den Kontext, dem es entspringt. Für Joëlle Pidoux‘ Ausstellung heißt das, dass auch die Kunst sich nicht betrachten lässt, ohne den Kontext, aus dem sie stammt sowie sich die Natur nicht betrachten lässt, ohne den Menschen als einen Teil von ihr.&nbsp;



Sichtbar wird dies in der Kunsthalle Willingshausen, wo vier Videoarbeiten, ein verdrahteter Pilz und die in Brokat gewobene Abbildung eines prachtvollen Hahns zu sehen sind. Die Videos dokumentieren Prozesse der Nutzung von Natur, die Joëlle Pidoux vor Ort vorgefunden hat: Die forst- und landwirtschaftliche Nutzung von Wald und Feld, das Züchten von Feder- und Flossenvieh. Da ist die Hühnerzucht, die den Körper des Huhns über sich und seine pragmatischen Bestimmungen hinaus wachsen lässt, um ein Leben als rein ästhetisches Wesen, als lebendiges Objekt der Anschauung zu führen.&nbsp;Ähnlich der Zucht von Zierfischen aus aller Welt.&nbsp;Ihnen wird hier in der Schwalm mit der korrekten Wassertemperatur, dem adäquaten Salz- &amp; Mineralstoffgehalt ein Tröpfchen Heimat und damit das Mindestmaß an Biotop zur Verfügung gestellt, das sie zum Leben brauchen. Im Wald sieht man den Harvester, diesen hungrige Holzvollernter, dessen technoider Körper durch die Fernsteuerung lebendig zu werden scheint. Sein Habitat ist so sehr der Wald wie der Traktor das Feld bewohnt und beackert. Die Elektroden, die an den Pilz im Ausstellungsraum angeschlossen sind, machen seine bioelektrische Aktivitäten sicht-&nbsp;und hörbar.&nbsp;Im Garten hinter dem Gerhard-von-Reutern-Haus tummeln sich seine Artgenossen ungestört auf Baumstamm und Komposthaufen. Pilze, die hier unbefangen plauschen und schmausen können.&nbsp;



Mit Waschbetonplatten, einem hochverarbeiteten Industrieprodukt, verbindet Joëlle Pidoux beide Orte. Im Garten liegen sie gestapelt –&nbsp;unantastbar inmitten einer Welt von Mikroorganismen und Bakterien, die sich in einem ewigen Kreislauf von Biomasse nähren und so Nahrung für andere Organismen produzieren. Der Mensch ist Teil dieses Kreislaufs, auch er ist Biomasse. Im Kontrast zum Garten steht die Kunsthalle, die als cleaner, weißer Raum eine geordnete, hochentwickelte Zivilisation&nbsp;repräsentiert. Hier liegen die Waschbetonplatten als Weg, der eine Entwicklung versinnbildlicht. Zu sehen ist die menschliche Distanzierung von der Natur. Durch Zucht und optimierte Bewirtschaftung von Boden und Wald wurde der natürliche Kreislauf durchbrochen. Eine Abkürzung, die eine kurzfristige Maximierung von Erträgen zur Folge hatte. Der Zenit dieser Entwicklung ist jedoch längst überschritten: Das Klima wandelt sich, die Böden sind ausgelaugt, die Ressourcen werden knapp.



Joëlle Pidoux ist die 54. Stipendiatin, die in Willingshausen für drei Monate gelebt und gearbeitet hat. Die gebürtige Schweizerin beschließt nach Studienaufenthalten in Santiago de Chile, Rio de Janeiro und Lausanne aktuell ihr Kunststudium in Offenbach. Mit Video, Sound und Fotografie erarbeitet sie allein und im Kollektiv&nbsp;Blockadia* TiefseeInstallationen und Performances, die ökologische Themen in den Mittelpunkt stellen.



Marina Rüdiger

Finissage 
18. Dezember 2022 16 – 18 Uhr

SITUATED KNOWLEDGE

Ornamental Hermit heißt übersetzt Schmuckeremit – Ein Mensch, der dafür bezahlt wird sich in eine Landschaft zu setzen und sie mit seiner Anwesenheit optisch zu bereichern. Diese Praxis stammt aus dem 18. Jahrhundert, einer Zeit in der man Landschaftsparks so gestaltete, dass sie aussahen wie begehbare Gemälde. Diese Parks lösten geometrisch geordnete Barockgärten in einer Zeit ab, in der man sich zusehends fragte, was der Naturzustand des Menschen sei und wie weit er sich die Natur Untertan machen könne. Der Schmuckeremit war in dieser Zeit der „edle Wilde“, den sich wohlhabende Parkbesitzer leisteten, um sich an dessen Unverdorbenheit und Ursprünglichkeit zu erfreuen. Sein Zuhause war die Eremitage oder auch Einsiedelei.&nbsp;



Als Einsiedler bezeichnet man auch den kleinen Krebs, der nicht in der Lage ist ein eigenes Haus zu bauen. Er nutzt verlassene Schneckenhäuser, um nicht hilflos zum Opfer von Fressfeinden zu werden. Wird ihm seine Behausung zu klein, sucht er sich eine neue.&nbsp;



Wagehe Raufi war Anfang 2022 als Stipendiatin des Residency Programms der ehemaligen Künstlerkolonie in Willingshausen. Wie alle StipendiatInnen wohnte sie für drei Monate im alten Hirtenhaus. An der Fassade des Hauses liest man: „Dies Haus ist mein und doch nicht mein, dem nächsten wird es auch nicht sein, den dritten trägt man auch hinaus drum Wanderer sag, wem gehört dieses Haus?“ Wagehe nimmt den Satz in ihre Videoarbeit auf und richtet die Frage an sich selbst: „Wagehe wem gehört dieses Haus?“ 



Muss ein Haus überhaupt jemandem gehören? Könnten Häuser nicht vielleicht ein eigenes Leben führen? Könnten sie als selbstständige Wesen die Landschaft besiedeln? Wesen, die mit ihrer Fassade einen Blick auf ihren Charakter offenbaren, den ihr Inneres doch nie ganz preisgeben will? Wesen, mit einem Außen und einem Innen, die unabhängig sind von denen die kommen und gehen&#8230;



Das Hirtenhaus spielt eine zentrale Rolle in der Videoarbeit, die Wagehe Raufi in den Raum der Kunsthalle projiziert. Es ist das Heim eines nackten Einsiedlerkrebses. Er bewegt sich durch das Innere des Hauses, welches sich in abstrakte Bilder auflöst und so die BetrachterInnen einlädt die eigene räumliche Orientierung zu verlieren. Der Raum der Kunsthalle selbst ist in rotes Licht getaucht und mit einer Plane ausgelegt. Auch er weicht sich auf und wird organisch wie das innere eines Körpers. Er absorbiert die Zeichnungen und Drucke aus der Geschichte der Malerkolonie Willingshausen, die sich zum Video in den Ausstellungsraum gesellen. Die Installation der leicht transparenten Skulptur, deren Volumen aus einer Fläche geborgen ist, thront über der Szenerie im roten Sonnenlicht. Und der getönte Blick hinaus lädt ein auch die Nachbarhäuser zu fragen wer sie denn eigentlich sind&#8230;



Text: Marina Rüdiger Bild: <a href="https://www.jensgerber.de" data-type="URL" data-id="https://www.jensgerber.de">Jens Gerber</a> <a href="https://wagehe.com" data-type="URL" data-id="https://wagehe.com">wagehe.com</a>

Kunsthalle Willingshausen 
Finissage 29. Mai 16 Uhr

ORNAMENTAL HERMIT

Eine seltene Symbiose aus Kunst und Kultur im Allgemeinen, Willingshäuser Dorfkultur im Besonderen geht Janosch Feiertags Ausstellung in der Kunsthalle Willingshausen ein. Der 52. Stipendiat hat in dem Malerdorf nicht nur gewohnt, sondern hier gelebt – dies hat unverkennbare Spuren in seiner Schau „Schnaps oder Chopin?“ hinterlassen.



„Vivat hoch die Malerei, und ein Schoppen sei dabei“ – es lebe die Kunst und das Feiern. So wie Feiertag das alte Blechschild am einstigen Eingang des Willingshäuser Malerstübchen künstlerisch adaptiert hat, so ähnelt der Flyer zur Ausstellung einem Kirmesplakat: Schwälmer Hännes trifft auf Haaßebier: „Schnaps oder Chopin (Schoppen)?“



Wer die Kunsthalle Willingshausen betritt, fühlt sich sogleich mitten im Ort. Von der Decke hängt ein Himmel aus Würsten herab – die bunten, mit Schafwolle ausgestopften Plastikdärme hat Feiertag gegenüber in der ehemaligen Metzgerei Bechtel gefunden, als er dort eine temporäre Cocktailbar einrichtete. Unter den Würsten fällt der Blick auf ein großes grünes Tor, wie man es von vielen Scheunen der Schwalm kennt. Das rechte Flügel des Tors öffnet den Blick ins Malerstübchen – auf geradezu verblüffende minimalistische und zugleich schelmische Weise stellt Feiertag so einen Bezug zu Historie und Gegenwart dar.



Ein Astloch im Tor dient als Guckloch – dahinter sind die Zellaer Kirmesburschen zu sehen, wie sie mit dem Pferdewagen durch Willingshausen ziehen. Da hatte Feiertag zur rechten Zeit die Kamera zur Hand.



Feiertag hat viele entdeckt bei seinem dreimonatigen Aufenthalt in Willingshausen und schärft mit der Distanz des von außen Kommendem auch den Blick der Besucher. „Wie Sticker“, so Kurator Heiner Hoffmann, hängen seine Bilder an den Seitenwänden.



Hinter dem Tor zur Linken portraitiert Janosch Feiertag das Willingshäuser Reiterstübchen mit einem Tisch, darauf sorgfältig aufgestellte Schlitzer Urkorn-Fläschchen – Schnaps eben. Hier im Clubhaus der Willingshäuser Reiter hat Feiertag Horst Haber kennen gelernt. „Er hat sich unheimlich Mühe gemacht, das Dorf kennen zu lernen“, sagt der Willingshäuser über den Kunststipendiaten.



Dies bescheinigte in seiner Laudatio auch Heiner Hoffmann dem 34-Jährigen anerkennend, der in Kassel visuelle Kommunikation studiert hat: „Feiertag hat sich mit Unbekümmertheit in Willingshausen überraschen lassen.“ So ist es dem jungen Vater in der überaus sehenswerten und teils amüsanten Ausstellung mit viel verstecktem Witz gelungen, Willingshausen, der Schwalm und darüber hinaus einen künstlerischen Spiegel vorzuhalten, der ein Gefühl von Heimat aufkommen lässt und doch etwas Neues schafft.



Text: Kerstin Diehl Bild: Janosch Feiertag, <a href="https://roswitha-bechtel.de" data-type="URL" data-id="https://roswitha-bechtel.de">Roswitha Bechtel</a>, <a href="https://www.gemmerich.de" data-type="URL" data-id="https://www.gemmerich.de">Jürgen Gemmerich</a>

Schnaps oder Chopin

&#8220;Mein Herz ist tot“ steht als Graffiti auf einer Schallschutzmauer zur Bahntrasse gepinselt. Und was sagt der Kopf dazu? „der Kopf sagt OK“, wobei das „OK“ rückwärts geschrieben ist. Wie ein Fähnchen, je nach Fahrtwind also, wechselt die Antwort zwischen „KO“ und „OK“. Das war eine der ersten „Entdeckungen“, die&nbsp;Martha Frieda Friedel&nbsp;auf ihren Touren durch die Schwalm nach Willingshausen anhalten und den Fotoapparat zücken ließ. Sie sucht explizit nach etwas, das von der Norm abweicht, indem es sich in Sinn, Wirkung und Bedeutung verdrehen lässt, mehrdeutig und widersprüchlich wird.



„die Crux mit dir“, so nennt&nbsp;Martha Frieda Friedel&nbsp;ihre Ausstellung, ist in ähnlicher Weise irritierend. Wen meint sie „mit dir“, den oder das Gegenüber, der oder das auf den zweiten Blick nicht mehr eindeutig ist, oder sich selbst, die in Widersprüche gerät bei ihrer Arbeit. Sicher ist, dass sie immer ein sehr entschiedenes Bild herstellt, das aber keine Lösung ist, sondern die erwartbare Norm bricht. So ist der Bürgermeister von Willingshausen auf ihrem Bild in der Ausstellung nicht nur – nicht mehr er selbst, sondern mindestens genauso viel das zweifelnde Interesse und Hinsehen der Künstlerin. Das Bild entsteht also genau im Schnittpunkt dieser Begegnung. Damit müssen beide umgehen (können). Das ist die Crux.



Manches, was&nbsp;Martha Frieda Friedel&nbsp;findet, ist zufällig, aber einem künstlerischen Interesse unterlegen, das treffsicher ist. Besonders die Menschen, die sie darstellen will, sucht sie sich sehr genau aus. Und sie schafft es. Sie vor der Kamera genau in diesen Selbstwiderspruch zu bringen, in sich selbst und gleichzeitig die Fotografierende – die Betrachtenden anzuschauen. Das ist sehr eindrucksvoll, auch weil sie fotografisch ungeheuer präzise arbeitet. Denn erst in der spezifischen Gestaltung als Bild schauen die „Entdeckungen“ zurück, gehen über sich hinaus und werden zur Metapher.



Und so geht es in der Ausstellung von&nbsp;Martha Frieda Friedel&nbsp;mit Fotografien und Videos – wie fast allen StipendiatIinnen – natürlich um den Ort ihres Arbeitsaufenthaltes, Willingshausen – aber vielleicht auch um was anderes.



Crux ist übrigens auch ein Sternenbild: Das „Kreuz des Südens“ ist eines der kleinsten, jedoch sehr auffällig – wie Willingshausen. Martha Frieda Friedel hat es dort am Himmel gesucht, weil es hier auf dem Land weniger Lichtverschmutzung gibt als in der Stadt.



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Martha Frieda Friedel Video: <a href="https://vimeo.com/manage/videos/561216110" data-type="URL" data-id="https://vimeo.com/manage/videos/561216110">Ringer</a>



<a href="https://www.martha-friedel.de/#/">www.martha-friedel.de</a>

Würste hängen symmetrisch angeordnet vor einer gefliesten Wand

die crux mit dir

Lustvoll auf Muscheln treten



Vor der offenstehenden Tür des Ausstellungsraums angekommen, stutzt man und weiß nicht, ob man den Raum betreten soll oder darf. Man hat den Eindruck, es handele sich hier um ein verlassenes Atelier, in dem Fenster und Türen längere Zeit offenstanden, gebrauchte Kleidungsstücke zurückgelassen oder von der Straße wie Treibgut hereingeweht wurden. Ein alter Kunststoffmattenrest hat es von der Wand bis zum Eingang geschafft. Zwar sind an den Wänden einige Zeichnungen und Fotografien hängen geblieben, aber die großen Lücken und die Spuren von Bildern, die hier offenbar mal hingen und abgenommen wurden, Nagellöcher, Schmutzspuren an der Wand und Bohrstaub auf den Fußleiten, lassen ein Verlassen vermuten. Genauso könnte es umgekehrt sein, dass jemand – offenbar eine Künstlerin – diesen Raum, ohne ihn zu renovieren, gerade für sich besetzt hat und mit einer Auswahl ihrer Arbeiten, Zeichnungen, Fotografien, Zeitungs- und Internetbildern, spezifisch gesammelten Gegenständen, einen Diskurs an der Wand, auf dem Boden und im Raum begonnen hat.



Traut man sich und sieht sich die Installation genauer an, entdeckt man sehr sensible Zeichnungen, manche kaum sichtbar, in einer ästhetischen wie argumentativen Ordnung. Sie zeigen in wässrigen Aquarellfarben gezogene Linien, manche glitzernd und schimmernd, die sich zu Blattgerippen, Bäumen, Gewächsen, Tentakeln von Quallen und anderem finden. So wie diese Papiere – übrigens alle tatsächlich auf der Straße gefunden – bezeichnet sind, formulieren sie ihren Gegenstand eher als Spur denn als Darstellung. Noch draußen vor dem Raum ist eine Rollzeichnung aufgehängt, die man vielleicht übersehen hat. Denn deren gemalte Zeichnung ist nur auf der Rückseite des Papiers zu sehen, macht also nur die Verwerfungen sichtbar, die die Wasserfarbe beim Malen im Papier hinterlässt.&nbsp;



Was Selina Schwank besonders interessiert ist die Frage danach was Natur eigentlich ist, wie Menschen ihr ausgesetzt sind, wie sie deshalb eingreifen und sich eine neue, angeblich künstliche und sichere Natur bauen, die als solche auch wieder – nur – Natur ist. Wenn Menschen also, wie auf einem Internetfoto in schön bunter Farbigkeit in der Ausstellung zu sehen ist, Öltanker auf Grund fahren oder Bohrlöcher nicht verschließen und damit eine „Naturkatastrophe“ provozieren, wird die Natur eigentlich nicht zerstört, sondern – bösartig leichtsinnig und wissentlich durch die Menschen leider – „nur“ eine andere Natur hergestellt, ein totes Meer oder leere Wüsten. Geht es also hier nur um Ursache und Wirkung oder auch um Schuld und Verantwortung? Sind das moralische Fragen oder politische oder naturwissenschaftliche oder philosophische? Kann man die immer mehr von den Aktivitäten der Menschen bestimmte Veränderung unserer Erde einfach als natürliche, außerhalb jeglicher Ideologie stehende Evolution bezeichnen? Schließlich ist ein Mensch ja auch nur ein Teil der Natur, ein Stück Biologie, Chemie, Physik wie Pflanzen, Mineralien, Luft und Wasser.



All solche Fragen beschäftigen Selina Schwank. Ihre künstlerische Sprache dabei ist, den Widerspruch zwischen sinnlicher Erfahrung und Wissen, zwischen den Phänomenen und Strukturzusammenhängen dahinter aufscheinen zu lassen und erfahrbar zu machen. Das beginnt mit der Verunsicherung des Gehens durch die Kunststoffmatte am Eingang, die man betreten muss, wenn man die Ausstellung sehen will, über das neugierig und vorsichtig fragende Betrachten der Zeichnungen, die Gedanken über die metaphorische Bedeutung der Fotografien, z.B. der in einen Plastikmantel gehüllten Person, bis zu dem Schrecken, den ein im Internet gefundenes Foto von einer Schildkröte auslöst, die in einem Plastikgeschirr für Bierdosen aufgewachsen ist. Immer taucht dabei die Frage nach dem Verursacher auf. Bei der Firma CocaCola, die die Plastikstrohhalme hergestellt hat, die wie Girlanden leicht im Raum verhängt sind, die aber nicht recyclefähig – und deshalb inzwischen verboten sind, ist das noch einfach. Dort liegen die Gründe für die Produktion ja auch auf der Hand. Aber was ist mit den endlos vielen Verpackungen, mit den aus bunten Kunstfasern hergestellten Kleidungsstücken oder mit dem verführerischen Glimmer in Kinder-Shampoos?



Und wenn die Künstlerin ihren Finger in heißes Wachs taucht und trotz des Schmerzes fasziniert die feine Plastik beobachtet, die dabei entsteht, dann hat sie all die Widersprüche in einem. Diese kleinen Skulpturen liegen auf dem Fußboden verstreut, wo sie vielleicht von kaum einem wahrgenommen oder vielleicht auch unbeabsichtigt zerlatscht werden.



Und warum nicht lustvoll auf die verstreuten Muscheln treten, wenn das doch so ein tolles Geräusch macht? Muss man denn überall so genau hinsehen?&nbsp;



Text: Bernhard Balkenhol&nbsp; Bild: Selina Schwank



<a href="http://www.selina-schwank.de">www.selina-schwank.de</a>

Halbe Tage

Seltsame Objekte hängen aufgereiht im Raum. Bei näherer Betrachtung stellt man fest, dass es offenbar Abgüsse sind, und dass es für alle ein einziges Ausgangsobjekt gab. Ablesbare Formen und Details wie Griffe und Verschlüsse lassen vermuten, dass es ein Surfbrett ist. Die Grundlage dieser unförmigen und offenbar schweren Skulpturen ist also ein Sportgerät, dass es ermöglicht, auf Wellen zu gleiten, sich tragen und treiben zu lassen, auf einem leichten Brett stehend durch geschicktes Steuern fantastische Geschwindigkeiten zu erreichen. Dabei muss der Körper sich einerseits völlig und ganz einlassen, sich gehen lassen, sich aber andererseits auch konzentriert spüren und reagieren auf die Kräfte, denen er sich aussetzt. Das Vergnügen besteht darin, die Balance zu halten, zu „stehen“ und dieses Spiel der Kräfte zu genießen.&nbsp;



Emilia Neumann hat die Form dieses Surfbretts mit Silikon abgenommen. Das ist nach dem 3D-Scan die heute exakteste Möglichkeit, eine Form 1:1 zu reproduzieren. Allerdings hat sie das nicht getan, um ein neues Surfbrett zu bauen, einen Klon, was möglich wäre, sondern um mit dieser Negativform künstlerisch umzugehen. Sie hat die Silikonform verdreht, verknautsch, gestaucht, etc. und dann diese mögliche-unmögliche Form mit Gips gefüllt. Was für ein Unsinn an Surfbrett!



Zusätzlich hat sie den Gips mit Farbpigmenten vermischt, sodass eine Art gewachsenes Gestein, an manchen Stellen auch eine Marmorstruktur entsteht. Das Ergebnis ist ein seltsam gewordener Brocken, eine Art Findling, der wie in einer Versteinerung ein in früherer Zeit eingeschlossenes Lebewesen enthält. Man könnte „das Tier“ den „gemeinen Surfling“ nennen oder vielleicht „die flundrige Brettmoräne“, deren Vorkommen besonders an der Küsten Marokkos nachgewiesen wurde oder an denen von Florida, bevor die großen Trump-Stürme sie verwüstet und verölt haben. – Nein, nochmal: Was für ein Unsinn!



Emilia Neumann hat sie an Gymnastikbändern – auch ein Sportgerät – hochgelupft, so wie man mit Tauen Schiffe aus dem Wasser und zum Trocknen und Renovieren an Land zieht. Nein, wieder Unsinn! Sie sind aufs Parkett des Museums gezogen, als Objekte für das bewundernde Auge und für künstlerisch-wissenschaftliche Forschung. Die erstere Frage lautet: „Wie toll sieht das denn aus?“, die zweite: „Was ist wie warum so geworden? Und was ist das dann?“.&nbsp;



„Milieu und Fazies“&nbsp;hat Emilia Neumann ihre Ausstellung genannt, das Ergebnis ihres dreimonatigen Aufenthalts in Willingshausen, ihrer Arbeit in den zwei Garagen, die ihr eigens für ihre bildhauerische Arbeit zu Verfügung gestellt wurden.&nbsp;



„Milieu“ und „Fazies“ kennt man vielleicht als Begriffe aus dem Erdkunde- oder Biologieunterricht. Sie bezeichnen zwei wesentliche Zustände eines Gegenstandes: das Gesicht, die Erscheinungsform – Fazies, und die Umgebung – Milieu, in der er vorkommt, die ihn genährt, geformt und lebendig gemacht hat.



Mit ihren Papierarbeiten geht Emilia Neumann um wie eine Alchimistin, die auf der Suche nach den Gesteinen der Weisen ist, oder den Wahrheits-Sagerinnen, die die Zukunft im Jetzt lesen können. Diversen flüssigen Substanzen, deren Zusammensetzung sie nicht preisgibt, mischt sie Farbpigmente unter und lässt sie fließen. In einer Art gezieltem Zufall und aus der Bewegung ihres Körpers heraus entstehen so interessante Blätter, die voller Sichtweisen sind. Sich damit nicht festzulegen, sondern sie als Zustand der Betrachtung zu begreifen, bedeutet ganz konkret, sich nicht mit der Assoziation „Berg“ zufrieden zu geben, sondern das Blatt umzudrehen, den „Berg“ „Tropfen“ werden zu lassen, Mikro- und/oder Makrokosmos entstehen zu lassen, oder einfach nur „Flüssigkeit“ zu sehen, die von der Seite ins Blatt fließt.&nbsp;



Von beidem aus kann man ein Objekt betrachten und in beide Richtungen Fragen stellen – Fragen nicht nur nach dem Zustand, sondern auch nach dem Prozess des Werdens in Vergangenheit und Zukunft. Das ist Forschung: ein Bezugsfeld von Bedingungen und Möglichkeiten festzustellen und zu vergleichen, um daraus Gesetzmäßigkeiten abzuleiten oder als Modell zu entwerfen, um die Welt der Erscheinungen zu verstehen und zu erklären – nicht zuletzt: zu nutzen.&nbsp;



Text: Bernhard Balkenhol Bild: <a href="https://www.jensgerber.de" data-type="URL" data-id="https://www.jensgerber.de">Jens Gerber</a>



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Milieu und Fazies

100% Geil Art Skulpturenpark Mitteldeutschland



„Skulpturenpark Mitteldeutschland“, wie Daniel von Bothmer seinen Willingshäuser Raum nennt, ist nicht ein Gelände voller Kunstwerke, sondern der mentale Bestand an „Welt-Bildern“, denen die Betrachtenden/Benutzenden sowieso alltäglich ausgesetzt sind. Sie werden als schräge Zitate ins Bewusstsein gestoßen und gleich auch über Smileys und andere Emoticons – mehr oder weniger – positiv kommentiert. Deshalb sind sowohl die Medien als auch die Formen (im Sinne Niklas Luhmanns) so marginalisiert – oder sogar diskriminierend benutzt, dass man sie kaum „ins Auge“, d.h. den rational arbeitenden „Kopf“ nehmen mag, sondern gleich mit dem ganzen Körper, der ganzen Person reagiert. Spontanes Stutzen und Sich-Wundern, befreiendes Lachen, unmittelbares geschmackliches bis ethisches Unbehagen, etc. sind die Folge.&nbsp;



Was heißt das konkret auf die Arbeit Daniel von Bothmers in der Kunsthalle Willingshausen bezogen?



Im Ausstellungsraum steht ein aufblasbares Pferd, genauer gesagt – und deutlich zu sehen, ein Hengst, den Daniel von Bothmer entworfen und in China produzieren lassen hat. Obenauf sitzen zwei rosa Bärchen, wie man sie in der vorherrschenden Wurstkultur der Schwalm kennt, je eine Farbpalette in den Vorderfüßen, zwei kleine „Malerfürsten“ also. Der Hengst steht auf einem Wagen und weist ihn als überdimensionales Spielzeug aus. Das Ensemble sieht aus wie ein Reiterstandbild, ein Denkmal, das in bunten Plastikfarben das berühmte Trojanische Pferd aus der Antike zitiert. Hinter dem Hengst und vor der Bühne ist eine zweite „Blumeninsel“ platziert. Wie ein ausgeschnittenes Beet im Vorgarten enthält sie eine elektrische Eisenbahn, die mit zwei Lego-Platten-Anhängern um einen Sonnenuntergang fährt. Geladen hat sie je einen Flatschen Insel mit einem Affen unter einer kläglichen Palme.&nbsp;



Der gesamte Raum mit seinem Oberlicht und der sichtbaren Deckenkonstruktion wird zum Festzelt. Die Front bespielen symmetrisch zwei gespiegelte, scheinbar identische, wandfüllende Banner, überschrieben mit „100 %“ und „Geil Art“. Die Bilder zeigen einen Frauenkopf in Tracht (Willingshausen ist „Rotkäppchen-Land“) und eine Hand mit Palette, auf der eine fröhliche Sonne hinter einer Wolke über grünem Land auf ein Bockwurst-Monument strahlt. Auf der Stirn und im Gesicht wie kleine Kommentare liest man links und rechts verteilt Beschriftungen wie „Der Eintritt ist frei“ / „Der Austritt ist frei“, „Märchenland Deutschland“ / „Fantasieland BRD“, „schlachtwarm präsentiert“ / „P.P.O.E. – Pure Power Of Everything“ oder „Wie geil ist das denn?“ / „Geiler wird’s nicht!“. Dazwischen, als Bühnenhintergrund gleichsam, ein Smiley aus in Keramik gefertigten Farbpaletten, rechts und links flankiert von einer Büro-Palme. Der gesamte Raum wird überspielt von einer säuselnden Computerstimme, die wie Werber*innen bei Schaustellenden die Besucher*innen immer wieder in Schleifen ins gelobte Land einlädt, im Wechsel mit Elvis Presleys „Always on my mind“ in einer (japanischen) Piano-Instrumental-Version.



„die neue malerei ist niemals analyse von umständen, die neue malerei ist ein zustand, der umstände schafft.“, schreibt Daniel von Bothmer in seinem 20 Seiten langen Manifest „the power of painting“, Kassel, 2017 (aus dem auch die weiteren Zitate entnommen sind). Sein Interesse ist, weder Abbildung oder Spiegelung noch Analyse zu betreiben oder eine „kritische Auseinandersetzung“ zu führen. Es ist eher ein Spiel, die parallel existierenden und konkurrierenden Systeme mit künstlerischen Mitteln ineinander laufen zu lassen, ohne Logik oder politische Agitation. Sein Pathos ist die absurde Behauptung, dass das, was über ein Produkt, eine Meinung oder Haltung gesagt wird, auch das und nur das ist, was sie ist. Man könnte das Realsatire, Pornografie – oder Humor nennen.



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Daniel von Bothmer Video: <a href="https://vimeo.com/347300415" data-type="URL" data-id="https://vimeo.com/347300415">Skulpturenpark Mitteldeutschland</a>



<a href="http://www.danielvonbothmer.com" data-type="URL" data-id="www.danielvonbothmer.com">www.danielvonbothmer.com</a>

In einem völlig anderen Land

Max Hänisch zeigt großformatige Fotografien von Bergsteiger_innen. Auf eine Gaze gedruckt, verweigern sie sich fast der Anschauung, denn je näher man hingeht, desto mehr sind sie nicht mehr lesbar – ein Wahrnehmungs-Nebel. Man sieht einen Kletterer, der, die sportliche Arbeit verklärend, sich auf dem Felsenkamm gegen den Himmel in Pose stellt. Zwischen die in den Raum gehängten Fotografien hat Max Hänisch zwei Basaltblöcke mit der Inschrift „mens insana in corpore sano“ gelegt. Er hat dieses Zitat des römischen Dichters Juvenal gezielt verändert, denn im Original heisst es: „mens sana in corpore sano“. Allerdings ist auch das richtige Zitat gezielt verändert und missbraucht worden mit der falschen Übersetzung: In einem gesunden Körper wohnt auch ein gesunder Geist. Der Körperkult in den „Muckibuden“ und die normativen Schönheitsvorstellungen, die in den Medien verbreitet werden, macht dieses Missverständnis zum Märchen – und profitabel. Gemeint war von Juvenal, wenn man den erste Satzteil hinzunimmt: „orandum est ut sit &#8230;“, dass es keinen Sinn macht, die Götter zu bitten, den Menschen Gesundheit zu verleihen, denn das müssen die Menschen schon selber machen, in der richtigen Balance von Körper und Geist, die man dann gesund nennen könnte.&nbsp;



Max Hänisch macht mit diesen beiden Basaltblöcken und ihrer Inschrift die Fotografien zu Teilen eines Environments. Die Leichtigkeit und Transparenz der Bilder wirken gegenüber den schweren Steinen, die er dem Ort der Inszenierungen entnommen hat, wie ein Nebel. Mit den Motiven auf den Bildern entsteht der Eindruck einer begehbaren Berglandschaft. Das korrespondiert mit den Fotografien an der Wand, die den Himalaya zeigen, vor den sich ein Nebel geschoben hat. Dramatisch unerreichbar erscheint das Massiv und in mystischem Licht – eine genuin romantische Sichtweise, die an den „Wanderer über dem Nebelmeer“ von Caspar David Friedrich denken lässt.&nbsp;



Max Hänisch ist Marathonläufer – aber das nicht nur als Leistungssportler. Es geht ihm darum, die Grenzen des Körpers kennenzulernen und auszutesten, um an die sinnlichen und sinnhaften Brüche zu gelangen, die an und hinter dieser Grenze auftauchen. Disziplin und Ausdauer ist dann nicht eine sportliche Voraussetzung und Forderung, sondern ein Moment der Selbstbeobachtung und Reflexion. Beim Bergsteigen spürt er eine ähnliche Faszination. Die körperliche Anstrengung wird belohnt durch ständig sich verändernde Blicke und Landschaften, das „Schauspiel der Natur“, und durch das erhabene Erlebnis, sich schließlich „auf dem Gipfel“ zu fühlen.&nbsp;



VERNACULAR AMBITION wie Max Hänisch seine Ausstellung überschrieben hat, ist in doppeltem und widersprüchlichem Sinne gemeint. vernacular = alltäglich, g e wöhnlich, traditionell, im unteren Durchschnitt, hat einen eher negativen Beigeschmack und in Verbindung mit ambition = Ambition, Absicht, Ehrgeiz, Engagement aber etwas Herausforderndes. Eindeutig dagegen ist die Bedeutung des gesprayten Schriftzuges an der Wand BY FAIR MEANS. Ohne Sicherheitsgurte geht es hier ins Gebirge.&nbsp;



Nur scheinbar stehen die wilden Partyfotos dazu im Gegensatz. Wenn Männer und Frauen „pogo“ tanzen, wie in dem Bildauf der Rückwand in der Ausstellung, und sich von der Musik in grobe und lustvolle Rücksichtslosigkeit treiben lassen, dann ist das auch ein völliges Sich-Veraus-gaben – ambition. Wie der Wanderer im Gebirge muss der Tänzer in der Disco oder im Partykeller „voll drin“ und „volldrauf“ sein. Voraussetzung ist das Los-lassen und Sich-Vergessen. Und auch darin wird es wieder ganz banal: der Rhythmus die Bässe, der Gesang und die schreienden Gitarren treiben die Tänzer, sie schwitzen, die Kleidung verrutscht, sie stolpern und fallen, es tut weh. Das ist halt so beim Pogo- Tanzen, beim Mitgrölen, Saufen – vernacular. Geht man von diesem Bild, das in seinem Auftritt einen eigenen Raum schafft, zurück in die Ausstellung, dreht sich die Stimmung, und man ist aufgefordert, die gesamte Installation noch einmal ohne Nebel(-Maschine) in die Sicht zu nehmen. Text: Bernhard Balkenhol Bild: Max Hänisch



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Vernacular Ambition

Kathi Seemann ist gerne unterwegs, um für sie interessante grundsätzliche Fragestellungen zu erforschen. Das macht sie als Fotografin, aber auch als Autorin und Gestalterin. Am Ende steht immer eine Publikation oder Ausstellung, d.h. der Weg in die Öffentlichkeit.



Nachdem sie sich in „sharing figures“, 2017, mit dem Phänomen des Teilens im urbanen und virtuellen Raum auseinandergesetzt hat, lenkt sie den Blick auf die Strukturen des ländlichen Zusammenlebens: den Ort, die Vereinslandschaft, Landstraße, Autobahn- und Internetanbindung, Schulhöfe, Feuerwehr, Kneipen, die Kirchen, etc.



Wo das „Leben auf dem Land“ für die einen Lebensqualität ist, ist es für die anderen zum Problem geworden. Auf der Suche nach einem attraktiven Job, Karriere und dem kosmopolitischen Leben flüchten sich viele junge Leute aus ihren Dörfern in die Städte und Metropolen. Für diejenigen, die in den kleinen Orten bleiben, wohnen und arbeiten, ist der Anschluss an die lokalen Netzwerke und die umliegende Region von existenzieller Bedeutung. Welche zwischenmenschlichen Beziehungen und generationsübergreifenden Bünde, welche sozialen Netzwerke hält ein Ort zusammen? Welcher Bezug besteht zum Ort und welche Verbindung zur nächst größeren Stadt?



Als ich eine Woche vor der Eröffnung mit Kathi Seemann im Saal die Hängung ihrer Arbeiten besprach, lag auf dem Arbeitstisch ein Stapel Fotoalben. Sie enthielten ausschließlich Bilder von Menschen, die in Willingshausen über viele Jahrzehnte und Generationen hinweg gelebt und gearbeitet haben, zurückreichend bis in die Anfänge der Fotografie. Als ich in ihnen blätterte, war ich erstaunt, dass unter den Bildern alle Namen der Abgebildeten vollständig aufgeführt waren: Paul und Paula, Hermine und Heinrich, Rotkäppchen und Wolfgang. Die Fotoalben aus dem Dorfarchiv wirken wie die Chronik einer großen Familie. Egal ob wichtig oder unwichtig, sie alle sind auf den obligatorischen Erinnerungsfotos festgehalten, manchmal auch bei der Arbeit oder einfach nur auf der Straße.



Mein Auge blieb aber ausgerechnet bei den Gesichtern und Personen hängen, die aus dem Rahmen fielen. Da ist ein Grinsen, das nicht zu den anderen, offiziellen Mienen passt, da hängt ungeschickt ein Arm heraus, da spielen gelangweilte Kinderfinger Karussell, da sind schmutzige Schuhe unter der aufgeputzten Tracht. In diesen Momenten bricht sich die zur Schau getragene Fassade und etwas Menschliches, Eigenes und Zufälliges tritt hervor.



Kathi Seemann zeigt im Aufgang zu ihrer Ausstellung „YOUTH“ fünf solcher Fotografien, die sie besonders angeregt haben. Mit diesem Zitat stellt sie sich selbst in den Kontext der Porträt- und Gruppenporträtfotografie in Willingshausen. Auch ihr Interesse gilt der Ambivalenz von Repräsentation und Tatsächlichkeit. Der Philosoph und Fototheoretiker Roland Barthes beschreibt in „Die helle Kammer“ (1980) ein Phänomen, das für jede Betrachtung fotografischer Bilder gilt, und das er als den Unterschied von Studium und Punktum benennt. Studium ist das, was durch die Fotografie überliefert wird und was man recherchieren kann. Punktum ist das, was besticht, was an und betroffen macht, was die Fotografie vom Dokument in den tatsächlichen Moment überführt. Das Punktum erweitert also die technische Sekunde der Belichtung und fordert auf, den festgehaltenen Augenblick in ein gelebtes Davor und Danach zu denken.



Kathi Seemann geht es weder um schöne Landschaften oder repräsentative Gruppenportraits, sondern um die Menschen in ihrer Umgebung, um Gruppendynamik und das Gefühl der Zugehörigkeit. Es geht ihr um Wahrnehmung und Austausch, Diskussion und Vermittlung. Die Fotografie ist dabei eher ein Medium der Inszenierung als eines der Dokumentation.



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Kathi Seemann



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YOUTH

Bei allem Verständnis für die Vielfalt der Medien in der Kunst, das die Willingshäuser im über zwanzigjährigen Lauf des Stipendiums gewonnen haben, sind sie doch glücklich, wenn sie mal wieder einen „richtigen Maler“ bei sich zu Gast haben. Robert Sturmhoevel ist ein solcher, hat drei Monaten mit Frau und Kind im „Hirtenhäuschen“ gewohnt, und im Atelier des Gerhardt von Reutern Haus wie „die alten Meister“ gemalt.



Trotzdem geht es ihm nicht darum, ein Medium und eine Technik virtuos zu bedienen – das ist nur die handwerkliche Voraussetzung, vielmehr geht es ihm um spezifische, nur in der Kunst mögliche Entdeckungen, Erzählungen, Diskussionen und Statements, die sich dieser Medien und Techniken bedienen. Malerei ist kein Selbstzweck, die nur zu „schön gemalten Bildern“ führt.



Der Berliner Robert Sturmhoevel war sofort fasziniert vom Leben auf dem Land und der Schwälmer Landschaft. Solche Horizonte, solches Licht, solche Farben hatte er noch nicht gesehen. Aber er vergaß auch nicht, woher er kommt, weder was seine Themen sind noch was seine Wahrnehmung und die besondere Methode seiner Malerei angeht. Er ließ sich nicht überrumpeln, sondern beobachtete und prüfte, was sich ihm anbot. Denn über Willingshausen hinaus, „hinterm horizont“, wie er seine Ausstellung überschrieben hat, lauerte das, was man nicht sehen konnte. Es musste erzählt werden. D.h., die Malerei, die hier so überzeugend daherkommt und fasziniert, ist nicht die Illusion auf der Fläche, die sie vorgibt zu sein.



Wer einmal in seinem Atelier war, dem ist aufgefallen, dass es dort sehr sauber und ordentlich zugeht. „Ich verlasse mein Atelier so“, sagt er, „wie ein Arbeiter abends seinen Arbeitsplatz“. Der Raum sieht nicht aus wie eine Höhle wüster Kreativität, sondern eher wie ein aufgeräumter Desktop, eine Bildschirmoberfläche, auf der die Programme mit ihren Werkzeugen und Dateien abrufbar sind. Die Arbeitswand ist wie ein Schreibtisch, auf der die Vorlagen, Zeichnungen, Fotografien, Notizen sich um die unfertigen Bilder reihen und darauf warten, einfließen zu können. Verschiedene Pinsel und seltsam selbst gebastelte Werkzeuge, die erklären, dass er für den Farbauftrag besondere Formen entwickelt hat, stehen und hängen ordentlich aufgereiht an der Wand. Eine Palette von bonbonartigen Farben steht bereit, jedem Bild eine andere, entschiedene Farbzusammenstellung zu geben. Sie taucht alles, was er erzählt, in ein eigenwilliges Licht.



Seine Protagonisten sind Kinder. Sie sind „zu Hause“ in Szenerien, die aus verschiedenen Versatzstücken zu einem Bild zusammengebaut sind, Konstruktionen also – aber nicht erfunden, sondern gesehen, beobachtet, teils auch fotografisch aufgefunden oder aufgenommen. Einheimische erkennen Landschaften und Gebäude rings um Willingshausen. Aber so sehr es aussieht, dass die Kinder dort etwas zu tun haben, man kann nicht ergründen, was. Vielmehr drängt sich auf, dass es hier eher um Stimmungen, um Befindlichkeiten geht – vielleicht auch um Metaphern von Verhalten und Selbstdefinition.



Auch wenn die Bilder auf den ersten Blick schlüssig und verständlich gemalt erscheinen, der zweite und dritte, vierte Blick offenbart lauter Ungereimtheiten und Widersprüche. Orte, Gegenstände, Personen scheinen wie auf Folien übereinander gelegt zu sein. Jede Folie scheint ihr eigenes Thema zu haben, ein eigenes Bild zu sein. Nicht zuletzt mischt sich die Malerei als Malerei ein. Mal gibt es Schatten, mal nicht, mal sind Umrisse flächenhaft ausgemalt, mal gegenständlich gefüllt. Mal herrscht faszinierende Illusion, mal zeigt die Farbe sich „nur“ als Material. Aber diese divergente Art zu malen in ihrer Kombination und abgestimmten Farbigkeit verbindet gerade das nicht Schlüssige zu einer surrealen Einheit.



Was aber macht der Betrachter mit den Schnittstellen und Überlagerungen der Folien? Oder mit einem „leeren“ Gesicht im Bild? Er bewegt sich mit Auge und Verstand zwischen den Folien, wechselt die Ebenen und füllt so die verschiedenen Inhalte und Bedeutungen aus dem Bild zu eigenen Erzählungen. Robert Sturmhoevel macht den Betrachter auf diese Weise selbst „bildmächtig“.



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Robert Sturmhoevel



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hinterm horizont

„Heimat“ ist eigentlich etwas ganz Persönliches. Sie stellt sich als Gefühl, als Identifikation mit der Familie, dem Ort der Geburt und des Aufwachsens, dem Land und dessen Landschaft, der Sprache und Kultur, der eigene Lebensgeschichte, Erinnerungen und Erwartungen nur im Einzelnen her. Deshalb nennt&nbsp;Joey Arand, die sich dieses Thema für ihren dreimonatigen Aufenthalt in der Künstlerkolonie vorgenommen hat, auch „Heimatkörper“. Gleichwohl ist „Heimat“ auch ein ideologischer Begriff, der oft missbraucht wurde und wird.



Joey Arand&nbsp;geht „den Weg zur Heimat“ noch einmal nach und beginnt deshalb im Kinderzimmer. So macht sie Spiele-Teppiche und Krabbeldecken, wie sie jeder kennt, zu einem „Spielplatz“ unterschiedlichster Fragestellungen. „Wo wohne ich? Was sind meine Markierungspunkte? In welchen Beziehungen stehen sie und zu wem? Was für Bezugssysteme sind das dann? Und wie intensiv nehme ich sie wahr? Welche Werte bauen sich auf und zeigen sich? Was ist sichtbar und was unsichtbar oder vielleicht sogar tabu?



Joey Arand&nbsp;kam als „Fremde“ nach Willingshausen. Im Gepäck hatte sie: „meine Heimat ist Karlstadt“. Mit einem Vergleich Karlstadt – Willingshausen beginnt die Ausstellung auch. Aber im ersten Spiel schon ersetzt sie die kindliche Motivik der Spiele-Teppiche durch Satellitenbilder aus dem Internet. Die Spielfiguren, die sie mit Kindern aus Willingshausen hergestellt hat, sind keine Stellvertreter-Püppchen sondern stellen bereits typische Situationen dar, in denen die Kinder „sich zu Hause fühlen“. Ihre Figuren dagegen stellen Szenen dar, die sie im Dorf gehört und wahrgenommen hat. Diese Spiele von&nbsp;Joey Arand&nbsp;sind keine Würfelspiele, es geht nicht um Gewinnen oder Verlieren, sondern um das Markieren der eigenen Verknüpfungen mit farbigen Fäden oder bunten Klebepunkten. Die Regeln des Spiels sind also ein Recherchieren, Nachdenken und Feststellen des eigenen, sehr persönlichen Bezugssystems, ein Wahrnehmen und Ernstnehmen des eigenen „Heimatkörpers“ – und ein gemeinschaftlicher Austausch darüber. Zwar hängen die Teppiche an der Wand wie Bilder, sie sollen aber abgenommen werden, um damit gemeinschaftlich auf dem Boden zu „spielen“.



Wie man seiner Heimat nicht entkommen kann, sagt&nbsp;Joey Arand, „soll auch niemand aus dieser Ausstellung rausgehen, ohne mitgespielt zu haben“. Denn erst dadurch entsteht die Ausstellung als ein durch die Besucher hergestelltes Kartogramm – oder als das Röntgenbild des „Heimatkörpers“.



Joey Arand&nbsp;macht also keine Bilder, sondern schafft Situationen, in denen partizipatorisch Bilder entstehen. Ihre Kunst ist Forschung. Sie reist sehr gerne, aber nicht um Urlaub zu machen, sondern um neue, andere Menschen und ihre Kulturen kennenzulernen. So hat sie Monate auf der französischen Insel Réunion, in Indien und im Iran verbracht. Immer hat sie dort existentielle Themen aufgenommen, an denen sich Grundwerte des kulturellen Verhaltens formulieren. Im Iran war es das Kopftuch oder vielmehr das verborgene Haar, das sie in intimen Frauenporträts diskutierte. Im Rahmen der Ausstellung „im Dickicht der Haare“ in der Grimmwelt Kassel hat sie anknüpfend aus den Haaren von Besucher/innen Fäden gesponnen, aus denen sie dann ein „Haartuch“ gewoben hat.&nbsp;Joey Arand&nbsp;recherchiert immer sehr intensiv und genau, so dass ihre künstlerischen Arbeiten, meist Fotografien und Filme, aber auch Installationen, ihre Kraft und Poesie aus dokumentarischem Material entwickeln.



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Joey Arand

Heimatkörper

In dem kleinen Atelier, das den Stipendiaten während des Arbeitsaufenthalts im Gerhardt von Reutern Haus in Willingshausen zu Verfügung steht, warten eine Reihe von Kleiderpuppen brav aufgereiht, dass sie endlich in die Kunsthalle können. Ungeduldig werden sie dort übereinander her stürzen und einen eigenwilligen Berg bilden. Einige werden das Privileg haben, aus der Hand von Ekachai Eksaroj frisch geschneiderte Hemden zu tragen. Er hat ihnen Streifen appliziert, die das im Dorf und der Region vorherrschende Fachwerk zitieren.



Dieses Fachwerk – allerdings aus sehr dünnen Leisten – ist auch auf eine Reihe von Bildern unterschiedlichsten Formats montiert. Es trägt nichts, bildet eher eine Art Zaun, ein ornamentales Gitter oder ein Kompositionsgerüst für etwas auf den Bildern – das allerdings fehlt. Denn die Bilder zeigen „nur“ grüne oder blaue Flächen, die Himmel oder Wiese, also Landschaften assoziieren. Für diese Malereien hat Ekachai Eksaroj Stofffarben benutzt als seien die Leinwände handbemalte T-Shirts.



&nbsp;Ekachai Eksaroj, das zeigt dieser erste Blick in die Ausstellung, arbeitet ganz nah an dem, was ihm der Ort bietet. Aber er liebt das Umspringen von einem offensichtlich Gemeinten in völlig andere Assoziations- und Empfindungsräume, Bezugs- und Bedeutungsräume. Ironie und Witz helfen ihm dabei, Irritationen zu stiften.



&nbsp;So nennt er seine Ausstellung „NOT A PAINter“ – wieder eine solche Öffnung des Wortes „painter“, (engl.) = Maler. „pain“ bedeutet: Pein, Schmerz, Kummer aber auch Leiden und Strafe; „take pains“ heißt: sich Mühe geben; das Ergebnis kann dann „painfull“, also peinlich sein. Und „be a pain in the neck“ bedeutet: einem auf den Wecker gehen. Was davon alles trifft auf den Maler und die Malerei in einer Malerkolonie wie Willingshausen zu?



Ekachai Eksaroj hat mit einer früheren Arbeit vorgebeugt: „good art next door“(2012) steht in bunten Lettern auf einer Fußmatte. Nur, diese Tür gibt es nicht. Betritt man doch den Ausstellungsraum, trifft man z.B. auf Regalbretter oder verchromte Haltestangen, die sauber übereinander aber nicht ganz gerade angebracht sind und an (schlecht installierte) minimalistische Arbeiten von Donald Judd erinnern. Gleichzeitig spürt man ein leichtes Ungleichgewicht und entdeckt, (am waagerecht montierten Heizkörper), dass der Fußboden an einer Seite leicht angehoben ist. In einem suchttherapeutischen Zentrum in Bremen hat er jüngst den Vergaberaum in eine Hotellobby verwandelt, indem er den Weg zu dem Tresen, an dem die&nbsp; Substitutionsmittel vergeben werden, mit roten Teppichen und Absperrungen aus goldenen Ständern mit dicken roten Kordeln gekennzeichnet hat. An der Decke hängt ein Schwarm von Überwachungskameras, die munter in alle Richtungen blinken als sei gerade Disko.



Ekachai Eksaroj hat vor seinem Kunststudium in Kassel und Braunschweig Modedesign in Berlin studiert und betreibt inzwischen in Kassel nicht nur eine eigene Galerie mit Namen LAGE, sondern auch mit LAGE sein eigenes Label. Seine Kunst also hat viele Quellen und Richtungen.



So sind seine Kleiderpuppen und das Fachwerk von Hunger hervorrufendem Duft umgeben. Denn Ekachai Eksaroj ist auch ein Koch-Künstler. Zur Eröffnung wird er die Ausstellungshalle in eine Art „Department Store“ im Sinne von&nbsp;colette&nbsp;in Paris oder DOVERSTREETMARKET in London umgestalten, wo Produkte aus Mode, Produktdesign und Kunst vereint sind, die aber auch Essen und ausgewählte Getränke anbieten. Die Willingshäuser Kunsthalle wird zu einem kleinen StreetFood Markt, ein „Talat Rotfai“, wie es ihn in Bangkok, seiner Heimatstadt, gibt. Der Ausländer (aus Thailand) Ekachai Eksaroj wird aus der heimischen Quitte einen eigenwilligen Cocktail mixen und interkulturell-kulinarische Erfindungen anbieten, die z.B. den in der Region legendären „Platz“ mit der Frühlingsrolle verschneiden. Wer das nachkocht, ist dann auch: „NOT A PAINter“.



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Ekachai Eksaroij, Holger Jenss



<figure class="wp-block-table"><table><tbody><tr><td><a href="https://ekachaieksaroj.de">ekachaieksaroj.de</a></td></tr></tbody></table></figure>

NOT A PAINter

Break a Leg!



Residencys und Erholung.



Die Ausstellung&nbsp;New Energy&nbsp;ist das Resultat eines dreimonatigen Stipendiums von Thilo Jenssen in Willingshausen, Deutschland. Die bunt glänzenden, monochromen Bilder und die Landschaftsfotografie, die gezeigt werden, sind von einem wirklichen Bedürfnis des Künstlers nach Ruhe und Erholung inspiriert, nachdem er in den Wochen vor seinem Aufenthalt verletzt worden war. Selbst wenn man nicht sonderlich abergläubisch ist, ist Thilo Jenssens Unfall, bei dem ihm ein Grabstein auf sein Bein gefallen ist und es schwer gebrochen hat, genug um ein kurzes Frösteln auszulösen. Seine temporäre Arbeitsunfähigkeit spiegelt seltsamerweise das Schicksal des Gründers der Residenz, Gerhardt von Reutern wider, der sich in Willinghausen niederließ, um zu malen und sich zu erholen, nachdem er seinen rechten Arm in der Völkerschlacht bei Leipzig 1814 verloren hatte.



Jenssen hatte ein Ziel vor Augen:&nbsp;New Energy. Er machte ausgiebige Spaziergänge in der malerischen Natur von Willingshausen, um dort seine fotografischen Arbeiten zu schießen. Die daraus resultierenden Aufnahmen von blauen Himmeln und gelben Kornfeldern sind so visuell verführerisch und banal wie Stock Fotos. Der Grund dafür ist, wie bei vielen Hobbyfotografen, dass technische Exzellenz über jeder Art von technischen oder ästhetischen Belangen steht.&nbsp;



Das Interesse des Künstlers an der Materie entsprang der ursprünglichen Konzeption von Residencys und was passiert, wenn er diese zu seinem Ausgangspunkt machen würde. Was würde passieren, wenn er wie&nbsp;Gerhardt&nbsp;von Reutern versuchte, Kunst zu machen, die seinen müden Körper ausruhen und seine Seele verjüngen ließe? Dabei denke ich an eine Aussage, die der Kritiker Dominikus Müller, Anfang 2016 in dem Magazin&nbsp;frieze d/e&nbsp;getroffen hat: „Kunst kann heute alles sein: research-gestützte Ersatzwissenschaft und Instagram-Incentive, kreativer Polit-Protest&#8221;. „Sie darf alles sein, nur nicht eins. Nämlich ehrliche, ernst gemeinte und subjektiv-wahrhaftige Therapie.&#8221;<a href="applewebdata://D86A48C0-D203-42D0-94CD-40713B6522CF#_ftn1">[1]</a>&nbsp;Das Argument von Müller zusammenzufassend: Um ernst genommen zu werden, darf Kunst nicht einfach Selbstausdruck sein, sondern muss ein begleitendes Konzept haben, das entweder&nbsp;intellektuell, politisch, theoretisch oder kommerziell ist. Ohne dieses Konzept wird die besagte KünstlerIn nicht ernst genommen und auf die oft verspottete Position der &#8220;SonntagsmalerIn&#8221; verwiesen.



In der Ausstellung selbst flirtet Jenssen immer wieder mit der Idee der Hobbymalerei, hält aber eine ironische Distanz dazu. Ein Beispiel sind die Dokumentationsfotos, die seine monochromen Leinwände in der Natur darstellen, die sie inspiriert haben. So werden die Sprühfarben und glänzenden Klarlack Bilder mit dem Titel&nbsp;green&nbsp;(alle Werke 2016)&nbsp;und&nbsp;blue sky &#8211; blue mood&nbsp;vor dem Hintergrund von Bäumen und einem fast wolkenfreien Himmel fotografiert und erinnern an altmodische Maler-Enthusiasten, die ihre Staffelei mit nach Draußen nehmen, um direkt vom Leben zu malen.



Andere Malereien (in Zusammenarbeit mit René Wagner) wurden mit einer ähnlichen Flüssigkeit gemacht, die in sogenannten Stimmungsringen gefunden werden kann, welche je nach Temperatur des Trägers die Farbe ändert und seinen emotionalen Zustand offenbaren.&nbsp;Rise fall and rise again&nbsp;zeigt Farben die langsam von einem Aztekenblau zu einem Kanariengelb übergehen; das Bild kommt im Ausstellungsraum voll zur Geltung, nachdem eine Heizung, die sich regelmäßig ein- und ausschaltet, vor der Malerei positioniert wurde. Mit jedem Zyklus wird das Bild in seinem ursprünglichen Zustand &#8220;wiederhergestellt&#8221; und reproduziert damit den Erholungsprozess des Malers nach dem vermeintlich therapeutischen Akt der Kunst.



Was diese Werke von denen unterscheidet, die nur therapeutisch sein wollen, ist die Tatsache, dass sie nicht nur Produkte von Selbstdarstellung sind, sondern ein Bewusstsein für die von Müller beschriebenen &#8220;Begleiterscheinungen&#8221; zeigen.&nbsp;



Text: Chloe Stead Bild: Thilo Jenssen



w<a href="http://www.thilojenssen.de" data-type="URL" data-id="http://www.thilojenssen.de">ww.thilojenssen.de</a>



<hr class="wp-block-separator"/>



<a href="applewebdata://D86A48C0-D203-42D0-94CD-40713B6522CF#_ftnref1">[1]</a>&nbsp;Dominikus Müller, ‘Tune in, Burn Out’,&nbsp;frieze d/e&nbsp;23, 2016

New Energy

Susanne Wagners&nbsp;künstlerischen Arbeiten liegt eine performative Haltung zugrunde. Allerdings sind bei ihr Handlung und Aufführung nicht identisch. Meist gehen die Prozesse und Handlungen auf in ein Ergebnis, d.h. die Performance endet in Skulptur oder inszeniertem Raum, Fotografie, Video oder Text. Alle diese Medien hat sie sehr differenziert auf ihre medienspezifische Sprache hin reflektiert und alle nutzt sie sowohl als Medium als auch als Aufführungsort. Die Strenge, mit der sie dabei z.B. die Arbeiten „Vom Zaudern“ 2013 im Raum arrangierte, ist dabei nicht Ausdruck von radikaler Ordnung, sondern eine poetische Sprache, eine von Genauigkeit im Diskurs.&nbsp;



Als sie nach Willingshausen kam, hatte Susanne Wagner vor, Orte zu finden, die ihr Bühne sein könnten. Wer und was da auftreten könnte, sollte der Ort, sollten die Leute, sollten Dinge entscheiden, denen sie begegnet. Sie hat dann gezeigt bekommen, was die Schwalm so besonders macht: die lange Tradition und die hohe Kultur der Trachten. Aber sie hat sich mehr für das Vorzeigen der Stoffe, aus denen sie hergestellt sind, interessiert, dafür, wie man damit umgeht, wie man sie anfühlt, hält, faltet, wie man lose Bänder mit Nadeln zu einem „Brett“ steckt und so weiter. Vorgänge, die sie performativ, skulptural und in ihrer Widersprüchlichkeit auch emotional interessierten.



Im Fotoarchiv von Willingshausen sind ihr die Hände und Armhaltungen aufgefallen, mit denen die zur Pose aufgestellten Personen abgelichtet sind, weil sie ein Stück Person zeigen neben der Repräsentation.&nbsp;„Mich haben, wie bei den ordentlich bestickten Stoffen, die Rückseiten, interessiert. Es gab zum Beispiel mal eine Frau, die mit siebzehn Röcken zur Kirmes ins Nachbardorf gegangen ist. Die Aufmachung markierte ihren hohen sozialen Status, gleichzeitig versuchte sie, dem herrschenden Schönheitsideal gerecht zu werden, weil sie zierlich und schmal war. Wenn man sich dann klar macht, dass ein Rock aus circa 3 Metern schwerem Beiderwand-Stoff gemacht ist, kann man sich den körperlichen Kraftakt dieser Unternehmung vorstellen. An dieser Geschichte interessiert mich die Verstrickung von materiellen Zeichen und sozialen Hierachien, physisch-körperlichen Handlungen und Objekten, wie der Rockskulptur, und die emotionalen Zustände, die sich daraus ergeben können.“



Die entstandenen Texte&nbsp;sind&nbsp;Fragmente aus Gesprächen und&nbsp;Beschreibungen. Gleichzeitig brechen sie hinüber in eine fiktive Welt von Wünschen vom Anders-Sein, vom Woanders-Sein. Susanne Wagner hat die Texte auf die Wand geschrieben, da wo man eigentlich Bilder erwartet. Ähnlich ist sie mit alltäglichen Gegenständen umgegangen. Deren Gebrauch wird zu einer widersprüchlichen Erfahrung, denn sie sind in einer ungewöhnlichen Selbstverständlichkeit falsch. Drei Paar Männer- und Frauen-Schuhe stehen im Kreis.&nbsp;&nbsp;Ein zweiter Blick verrät, die Schuhe haben eine schräge Sohle, sodass ihre Träger genötigt werden, im Kreis zu gehen.&nbsp;Drei Tonkrüge stehen auf einem Glastisch, dessen Füße aus einem umgedrehten Melkschemel gebildet sind. Wie gewohnt zeigen sie, wo man sie anfassen kann, wo der Ausguss ist. Aber wie kann man mit Ihnen umgehen und wofür sie nutzen, wenn es zu viele Henkel und Ausgüsse sind, und sie nicht angebracht sind, wie es angebracht wäre?&nbsp;



Die Halle, die anfangs nur sparsam gefüllt zu sein schien, wird langsam eng. Dass die Stimmung nicht umschlägt in ein Gefühl der Enge, ist der großen Empathie Susanne Wagners zu verdanken, der das Menschliche wichtiger ist als das Agitatorische.&nbsp;



Oder anders: Der Ausstellungsraum wird zur Bühne, und man ist hineingenommen in ein Stück, ohne illusionistische Erzählung. Bilder, Objekte, Texte – das Tuch als Vorhang und Requisite werden&nbsp;Spiel-Elemente,werden zu Protagonisten, die uns als Betrachter aufführen.



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Susanne Wagner, Markus Kämmerer

Gib mir ein A

Wer Romina Abates Ausstellung am Ende ihres Stipendiums in Willingshausen sehen will, muss ein Hindernis überwinden – wie es die Künstlerin im Laufe ihres dreimonatigen Aufenthaltes in der Schwalm so manches Mal getan hat. Dann findet er sich in einer Art Labor wieder, einem Ensemble künstlerischer Versuchsanordnungen, einem Raum, der wie die Momentaufnahme eines Wahrnehmungs- und Denkprozesses ist. Wo hier Anfang und Ende sind, ist zunächst nicht auszumachen. „Das Meer hat viele Ufer“.



Romina Abate hat alle Hindernisse genommen, sich umgesehen und die Gegenstände ihrer neuen Umgebung zum Ausgangspunkt künstlerischer Prozesse, zum Motiv und Thema ihrer Arbeit gemacht. Das begann in den Regalen ihres Domizils, dem „Hirtenhäuschen“, wo sie in den Büchern aus dem Nachlass der Tochter des Willingshäuser Malers Wilhelm Thielmann das Foto einer Birken-Allee fand. Im Atelier waren es die Staffeleien der Hobbymaler/innen, die sie provozierten. Diese beiden Fundstücke in Beziehung zu setzen und zu beobachten, wie dabei Bildsprache und Bild, Sinn und Bedeutung entstehen, war ihre erste in Willingshausen entstandene künstlerische Arbeit – und kann durchaus exemplarisch genommen werden für ihre künstlerische Methode.&nbsp;



Romina Abate aber ist jeder Zustand ihres Arbeitens ein „Werk“. Ein wichtiger Teil ihrer Zeichnungen sind deshalb Entwürfe von möglichen Anordnungen ihrer Versatzstücke zu Installationen. Diese sind dann selbst endgültig entschiedene und zugleich „nur“ mögliche Anordnungen. Meist greift sie dabei zur Foto- und Videokamera, um zu untersuchen, wie es zu einer ästhetischen, d.h. formalen wie inhaltlichen Schlüssigkeit kommt. Diese Bilder macht sie selbst wieder zu einem Teil Ihres Werkes. Auf diese Weise nimmt sie verschiedene Betrachter-Perspektiven vorweg und baut sie in ihre Fragestellung und Argumentation ein.&nbsp;



„Was ist das was ich sehe? Wie verändern sich Dinge und Bedeutungen, wenn sie in Beziehung treten, arrangiert, montiert werden? Welche Argumentationsweisen nutze ich dabei?“ fragt sie sich und versteht das auch als erkenntnistheoretische und philosophische Fragestellung. „Ich betreibe begriffliche Untersuchungen, immer daran interessiert, Bilder, Zeichen zu erfinden und Begriffe zu weiten und zu hinterfragen, zu zitieren, zu kommentieren und Beziehungen herzustellen“.&nbsp;



So verdeckt z.B. eine farbige Fläche, die von einem langen Stab gehalten wird, ihren Kopf. Den ersetzt sie durch eine einfache Form, die plötzlich zu einem Pferdekopf wird. Sie zieht die Knie an, stampft mit den Füßen auf und ist selbst ein Pferd. Sofort werden die beiden Tisch-Böcke hinter ihr zu Hindernissen für einen Springreiter und die Bücher auf der Platte ebenfalls – oder zu einem Streitwagen über das, was in den Büchern zu sehen und zu lesen ist.



Für Romina Abate also steht alles auf dem Spiel: Form, Inhalt, Bedeutung, Wert, Konvention und Irritation. Die Gleichzeitigkeit von Möglichem und Unmöglichem ist die künstlerische Freiheit, die sie sich nimmt.&nbsp;



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Romina Abate <a href="http://www.romina-abate.de" data-type="URL" data-id="http://www.romina-abate.de">www.romina-abate.de</a>

Das Meer hat viele Ufer

Mit einer seltsamen Entdeckung beendet Jana Lange, die aktuelle Stipendiatin in Willingshausen, ihren drei monatigen Arbeitsaufenthalt in der Künstlerkolonie:&nbsp;In der Marmelade schwimmen Fische.&nbsp;Wie das? Hat Jana Lange, die Künstler-Fotografin, das tatsächlich mit dem Kamera-Auge gesehen oder hat das ihr kleiner Sohn Jaro beim Frühstück entdeckt?



Um Fische in der Marmelade schwimmen zu sehen, muss man sehr genau hinsehen. Und das kann Jana Lange.



Schon sehr lange und sehr intensiv wirft sie ihren Blick auf Tiere und Menschen, auf Orte und Situationen, und erforscht, wie empathisch, wie einfühlsam sie sich verhalten kann mit ihrer Kamera. So zeugen ihre Bilder von einer unglaublichen Nähe. Das Auto z.B. und die Fotografin sehen sich in die Augen. Das Fell eines Tieres nimmt sie auf, wie sie die eigene Haut fühlt. Die Körperhaltung des Anderen – ob Tier oder Mensch, im Ausschnitt konzentriert, nimmt offenbar ihre Befindlichkeit an. Und gleichzeitig macht sie mit ihren Bildern bewusst, wer wen und wie ansieht – und sich ansehen lässt.&nbsp;



Die gegenseitige Wahrnehmung aber ist ihr nicht nur ein fotografisches Ereignis, sie versteht ihre Auseinandersetzung durchaus als eine politische. „Anima“ (2012), ihre Abschlussarbeit, schreibt sie, „ist eine Arbeit über das Sein – über das Mensch-Sein und über das Tier-Sein. Über Unterschiede und Gemeinsamkeiten. Über Ambivalenzen, über das Tier in mir, der Mensch als Tier.“ Sie forscht über die Ausbeutung der Tiere für den Menschen, über Massentierhaltung und Konsumverhalten.&nbsp;„Heute essen wir Fleisch, aber keine Tiere mehr“, schreibt sie.



Für ihr Stipendium in Willingshausen hatte Jana Lange sich vorgenommen, „nach Alternativen zu suchen, nach Möglichkeiten mit der Natur, mit den Tieren im Einklang, in einer Gemeinschaft zu leben.“ Sie hat den dortigen Bioland Hof Dorfmühle besucht, um zu sehen, was artgerechte Tierhaltung ist, was Respekt vor der Natur und dem Tier heißt, bis hin zu der radikal gestellten Frage: „Kann man ein Tier respektvoll töten?“.



Aber Jana Lange startet keine fotografische Kampagne für den Tierschutz oder gegen die Fleischesser. Vielmehr geht es ihr um den respektvollen und genauen Blick und um Anteilnahme. Und so ging es ihr, als sie nach Willingshausen kam, wie Goethe, der bemerkte, dass der Gegenstand, je genauer man ihn betrachtet, sich immer mehr entfernt.



Der Weg ins Dorf aber führte sie nicht nur in die absolute Nähe sondern gleichzeitig hinaus ins Weltall. Ihre Abschlussausstellung zeigt einen Dialog von Aufnahmen, in denen man das Kornfeld oder das Fell einer Kuh fast riechen kann, und daneben Aufnahmen aus der Perspektive eines Satelliten, wo der Ausbruch eines Vulkans aussieht wie der Rauch von einem Lagerfeuer. Und je mehr dieser Blick die Welt relativiert und den Betrachter ins Staunen versetzt, umso mehr ist es wahrscheinlich, dass in der Marmelade Fische schwimmen.&nbsp;



Text: Bernhard Balkenhol Bild: Jana Asendorf

Stipendium Willingshausen

Das Meer hat viele UferRomina Abate28.11. – 23.12.2014